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Paul TONDREAU (1886-1977) HsT 50x40cm 1971 Belgische school Ecole Belge Fauvisme 1 sur 2Livraison gratuite — Seulement 1 restantPaul TONDREAU (1886-1977) HsT 50x40cm 1971 Belgische school Ecole Belge Fauvisme 2 2 sur 2 Voir Plus
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Paul TONDREAU (1886-1977) HsT 50x40cm 1971 Belgische school Ecole Belge Fauvisme

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Paul TONDREAU (1886-1977) Description : Magnifique huile fauviste sur toile. Signature : Signée et située en bas à gauche. Étiquette au dos avec la date et le titre. Titre : La Roca, Assise. Date de création : 1971. Dimensions : 50 x 40 cm. Condition : Bon état. Technical: Very Beautiful oil fauvist on canvas. Signature: Handsigned and situed on lower leftt. Label on the back with the date and title. Title: La Roca, Assise. Date of creation: 1971. Sizes: 19.7' x 15.7' in. Condition: Good condition.
Biographie : Paul TONDREAU est né à Mons en 1886 et y est décédé en 1977. Peintre et gouachiste néo-impressionniste de paysages, de vues urbaines, de natures mortes et de portraits, il sera notaire de 1911 à 1954. Il suit des cours du soir en dessin et en peinture à l’Académie de Mons entre 1906 et 1910 auprès de E. Motte et d’A. Duriau. Il représente des paysages du Hainaut, de Paris, de la Côte d’Azur ou de l’Italie et peint de façon lyrique, élégante et spontanée, avec des couleurs éclatantes ou dans une symphonie de gris. Il rapporte de ses voyages des tableaux aux tonalités chaleureuses. Il se consacre à la peinture surtout après la remise de son notariat en 1954 et il est membre puis président de l’important Cercle artistique montois « Le bon vouloir » qui lui rendra hommage l’année de son décès en 1977. Il y aura également une rétrospective mise sur pieds à Mons en 1967. Principaux musées : plusieurs œuvres acquises par la Province de Hainaut et la ville de Mons. Cotation de l’artiste : Ses œuvres sont très rares sur le marché gardant cependant des cotations raisonnables. Biography: Paul TONDREAU was born in Mons in 1886 and died there in 1977. Painter and Gouachist neo-impressionist landscapes, urban views, still lifes and portraits, he will be a notary from 1911 to 1954. He takes evening classes in drawing and painting at the Academy of Mons between 1906 and 1910 from E. Motte and A. Duriau. It represents landscapes of Hainaut, Paris, the Côte d'Azur or Italy and paints lyrical, elegant and spontaneous, with vibrant colors or in a symphony of gray. He brings back from his travels paintings with warm tones. He devoted himself to painting especially after the handing over of his notary in 1954 and he was a member and then president of the important Artistic Circle of Montoison "The goodwill" which will pay him tribute the year of his death in 1977. There will also be a retrospective set up in Mons in 1967. Main museums: several works acquired by the Province of Hainaut and the city of Mons. Listing of the artist: His works are very rare on the market keeping however reasonable prices. Biografie: Belgische school. TONDREAU Paul werd in 1886 geboren in Bergen en overleed daar in 1977. Schilder en gouachiste neo-impressionistische landschappen, stadsgezichten, stillevens en portretten, zal het notaris van 1911 tot 1954. Hij woont avondschool tekenen en schilderen aan de Academie van Bergen tussen 1906 en 1910 van E. Motte en A. Duriau. Het vertegenwoordigt Hainaut landschappen van Parijs, de Franse Rivièra en Italië en schildert lyrisch elegant en spontaan, met levendige kleuren en een grijze symfonie. Hij brengt van zijn reizen schilderijen terug met warme tonen. Hij legde zich toe op het schilderen vooral na het behalen van zijn notaris in 1954 en is een lid en vervolgens voorzitter van de belangrijkste artistieke cirkel Mons "De goede wil", die hem het jaar van zijn dood zal eren in 1977. Er zal ook een retrospectief opgezet in 1967 in Bergen. Belangrijke musea: een aantal werken aangekocht door de provincie Henegouwen en de stad Bergen. Lijst van de kunstenaar: Zijn werken zijn zeer zeldzaam op de markt, maar redelijke prijzen.
D'après Wikipédia. « Le fauvisme est venu du fait que nous nous placions tout à fait loin des couleurs d'imitation et qu'avec les couleurs pures nous obtenions des réactions plus fortes. » Henri Matisse.
Le fauvisme est un courant de peinture du début du XXe siècle. Tiré d'une expression du journaliste Louis Vauxcelles, il débuta historiquement à l'automne 1905, lors du Salon d'automne qui créa scandale, pour s'achever moins de dix ans plus tard, au début des années 1910. En fait, dès 1908, il est déjà à son crépuscule. Son influence marqua néanmoins tout l'art du XXe siècle, notamment par la libération de la couleur. Le précurseur du fauvisme était Henri Matisse, mais d'autres artistes, comme André Derain, Maurice de Vlaminck ou encore Georges Braque en ont fait partie.
Dans un article "le Salon d'automne" publié dans le Gil blas le 17 octobre 1905, Vauxcelles décrit le salon salle par salle. Il écrit notamment "Salle N°VII MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Salle archi-claire, des oseurs, des outranciers, de qui il faut déchiffrer les intentions, en laissant aux malins et aux sots le droit de rire, critique trop aisée. [.....] Au centre de la salle, un torse d'enfant et un petit buste en marbre, d'Albert Marque, qui modèle avec une science délicate. La candeur de ces bustes surprend au milieu de l'orgie des tons purs : Donatello chez les fauves".
Le fauvisme est caractérisé par l'audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les peintres avaient recours à de larges aplats de couleurs violentes, pures et vives, et revendiquaient un art fondé sur l'instinct. Ils séparaient la couleur de sa référence à l'objet afin d'accentuer l'expression et réagissaient de manière provocatrice contre les sensations visuelles et la douceur de l'impressionnisme.
Les sources et objectifs du fauvisme Plusieurs influences communes peuvent être reconnues dans les œuvres de ses artistes. Nous assistons, aux alentours de 1900, à un retour imposant de la couleur qui s'avèrera d'autant plus violent que cette couleur semble avoir difficilement supporté l'éclipse assez courte que lui ont fait subir les nabis. Les conceptions lumineuses du « pleinairisme » ensoleillé des impressionnistes se sont effacées devant les faibles éclairages de la lampe des Nabis. Des scènes d'intérieur, des tonalités volontairement assourdies et fidèles au jeu de nuances timides et discrètes, de grands aplats colorés, de radieuses illuminations, d'éclatantes architectures, des scènes de famille sagement bourgeoise à travers la lumière factice du jour venue de fenêtres disparaissant sous des rideaux... Les impressionnistes constituent la première source. Leurs touches particulières, qui juxtaposent des couleurs pures au lieu de les mélanger, laissant à l'œil du spectateur le soin d'effectuer un travail de recomposition, sont reprises par Matisse, qui fut élève de Paul Signac à l'été 1904, et qui les transmet à son tour à Derain. Luxe, calme et volupté (1904) en est un exemple emblématique. Manguin lui-même est à la fois proche de Matisse et de Signac ou Cross, peintres divisionnistes s'il en est, tandis que Camoin fait directement référence à Manet par la concision de son dessin. Les couleurs cristallines impressionnistes sont également reprises, notamment par Manguin, dont la palette est dominée par des tons jaunes et orangés lumineux. Raoul Dufy, quant à lui, reprend fréquemment le thème de la Rue Montorgueil de Monet, dans ses  14 juillet au Havre ou rue pavoisée. Le déploiement des drapeaux en travers de la rue est prétexte au déploiement de la couleur, ce que Monet avait déjà remarqué, et que Marquet avait utilisé la même année (14 juillet au Havre). Néanmoins, la composition, avec les lignes des drapeaux qui s'entrecroisent, est très novatrice. Henri Matisse
C'est, de ce fait, une revanche forte des couleurs, des lumières et du plein air qui va éclater et qui va entrainer dans la peinture des bouleversements dont il est alors difficile de prévoir les conséquences. C'est donc au Salon d'Automne, alors qu'une salle avait été réservée aux œuvres du nouveau groupe d'artistes, que les mots de : « scandale, fumisterie, démence, ignorance » avaient accueilli les tentatives tumultueuses de ces jeunes gens. Le critique Louis Vauxcelles, parlant de la petite tête d'un enfant d'inspiration florentine, œuvre du sculpteur Marque, la désigna comme : « Donatello au milieu des fauves ». Cette expression fit fortune et fut utilisée pour définir ce mouvement de Fauvisme. De très jeunes peintres, quelque époque à laquelle ils appartiennent, n'ont jamais rejeté cette parole de l'Écriture : « Il faut tuer ce qui nous précède ». Or, c'est aux alentours de leur vingtième année et sur leurs professeurs que ces jeunes fauves se firent leurs premières dents. À la suite d'une sorte de hasard, l'Académie Julian et l'École des Beaux-Arts virent les apparitions successives de Marquet, Rouault, Camoin, Manquin, Dufy, Braque et à l'atelier Carrière celles de Matisse, Puy, Derain, Laprade, Chabaud parmi les plus valeureux du groupe. Dufy, Marquet, Mérodack-Jeanneau ou Girieud utilisent plutôt la technique de Gauguin, avec de grands aplats. Matisse et Derain n'hésitent pas non plus à s'en servir, et oscillent parfois entre les influences pointillistes et de Gauguin. Dans Japonaise au bord de l'eau Matisse montre cette hésitation, en utilisant des touches assez longues quoique distantes l'une de l'autre, et même, à certains moments, des aplats. De même, Derain compose parfois ses toiles avec de larges rubans de couleurs (Le faubourg de Collioure, 1905), alors que, dans des œuvres contemporaines (Bateaux dans le port de Collioure, Effets de soleil sur l'eau), il n'utilise que de petites touches juxtaposées. Le style de Gauguin se retrouve dans un autre élément : l'utilisation du cerne autour des personnages. Celui-ci est particulièrement visible dans la danse d'André Derain (1906).
André Blondel Il est également important de souligner l'influence que Louis Valtat (1869-1952) eut auprès de Matisse et des futurs fauves, Rouault, Marquet, Camoin, Manguin, Puy et quelques autres qui suivaient en 1896 l'enseignement de Gustave Moreau à l'École des Beaux Arts de Paris. Valtat présenta d'ailleurs, aux côtés de Kandinsky et Jawlensky, cinq peintures dans la salle XV du Salon d'automne de 1905 ; mais dès le Salon des Indépendants de 1896, il exposa des peintures réalisées à Arcachon durant l'hiver 1895-1896, ainsi que quatre-vingts aquarelles, des dessins et des bois gravés qui comprenaient déjà des caractéristiques du fauvisme : des couleurs pures, des formes simplifiées, des perspectives abolies et des ombres supprimées. Matisse serait, dans son enthousiasme prononcé pour la couleur et pour la matière, à l'origine de ce mouvement. Il s'attache à lui seul à développer en profondeur certaines données du Fauvisme, notamment lorsque ses compagnons de la première heure abandonnent la nouvelle esthétique pour retourner à des conceptions plus traditionnelles. L'influence de Matisse, autant en France qu'à l'étranger, sur sa génération autant que sur les suivantes, est due à l'universalité d'un art prestigieux qui déborda largement les données propres du Fauvisme plutôt qu'à sa position de chef d'école. C'est sous la conduite de Matisse et aussi sous l'influence de Van Gogh que les futurs fauves (Vlaminck, Derain, Manguin...) expriment dans leurs envois au Salon d'Automne un farouche et virulent enthousiasme pour les joies dynamiques des tons les plus crus. Tout de même conscients de cette fragilité de la couleur, ils réagissent contre un Impressionnisme auquel ils reprochent comme Cézanne, Renoir ou Gauguin son manque de structure, son refus de la notion de permanence. D'autre part les fauves se proposent d'imaginer une réalité plus authentique que celle des apparences, construite solidement par les tons purs. Cette imagination de la réalité a comme source selon Matisse : des chocs émotifs, survenus comme des coups de foudre ou autres images dans le cerveau du Poète. La nouvelle esthétique s'appuie sur des thèmes précis comme l'opposition aux nuances de la palette impressionniste, le goût du monumental, le refus de l'évocation réaliste de la nature et les recherches de transpositions de la couleur. On trouve des visions féériques et multicolores de ciels verts, de fleurs rouges vermillon, d'arbres couleur citron, de visages vert émeraude et ceci, dans l'intention de substituer aux harmonies mesurées mais conventionnelles de l'écriture traditionnelles, des polyphonies colorées par l'emploi de la couleur telle que sortie des tubes que Derain comparera à des cartouches de dynamite.
Cézanne aussi est une source d'inspiration importante. Dans La Gitane de 1905, peinte à Saint-Tropez 1, Matisse reprend ainsi la géométrisation du corps des personnages caractéristique du solitaire d'Aix. Derain quant à lui s'en inspire dans La danse, pour mener sa réflexion sur la place de la figure humaine dans un paysage, autant que dans Les baigneuses de 1907, pour styliser ses figures. De même, la composition du Port de Collioure, très réfléchie, fait beaucoup penser à Cézanne. Chez Vlaminck, c'est plutôt l'héritage de Van Gogh que l'on retrouve, comme le montre Partie de campagne réalisée en 1907. Bien qu'hostile aux institutions muséales, il avait découvert cet artiste lors d'une exposition en 1901 chez Bernheim-Jeune, ce qui avait définitivement orienté sa carrière vers la peinture. C'est d'ailleurs à cette même exposition que Derain le présenta à Matisse.
"Je ne vais jamais au musée, j'en hais l'odeur, la monotonie. Je déteste le mot " classique". La science me fait mal aux dents. " (M. Vlaminck) Cette phrase est révélatrice de l'état d'esprit de l'artiste. Il a d'ailleurs toujours refusé de passer pour tel et décida de se former lui-même. Il aime les séduisantes imageries pour leur évocation haute en couleurs, leurs oppositions décidées, pour ce lyrisme léger. Son sentiment de la nature s'affirme aussi comme condition populaire. Sa nature est romancée. Derain le qualifiait comme étant « le plus peintre d'entre nous ». Bien plus que le roman, que la musique, la peinture correspondait chez lui au besoin d'une matière plus concrète capable d'exprimer toute la sensualité d'un empirisme naturel. André Derain effectue sa première contribution au mouvement par une adhésion au principe de l'organisation d'un espace réalisé en fonction de la surface de la toile. Il manifeste à ses débuts un certain esprit d'indécision originaire de son instinct de peintre et d'une culture très étendue ainsi que d'un conflit entre les deux notions. Cette condition là s'aggravera du fait que Matisse et Vlaminck présentent, l'un avec sa prudence, l'autre avec son instinct non contrôlé, deux tendances dont il percevait les effets successifs contraignants. Les amis de Derain connaitront en lui un maître du pinceau, une touche puissante, une aisance sereine et avec une sureté des nuances et aux accents purs et décidés déjà à une virtuosité surprenante, portant la marque d'un tempérament sensuel. " Le grand danger pour l'art, c'est l'excès de culture " "Que gagne-t-on à manquer de culture ?" (A.Derain) Tout ceci s'exprime donc d'abord par un coloris exubérant donc Derain va s'attacher à pousser l'intensité à un paroxysme dont Vlaminck lui même demeurera le premier surpris, dans une intention de réaliser des harmonies plutôt que des symphonies colorées. Derain est donc le premier à remarquer que la technique des fauves pouvait construire mais pas architecturer une toile. Il est très curieux mais pas forcément audacieux et on s'en apercevra quand le Cubisme l'invitera à surpasser les limites que son instinct le poussait à franchir mais que son esprit le contraindra finalement à respecter. Il avait pressenti qu'il existe deux cultures : celle qui devient constructive si assimilée, et celle qui ne constitue qu'un simple ornement de l'esprit. C'est à ce dilemme que son œuvre se heurte. Si ces hésitations l'ont privé d'une originalité qu'il souhaitait éventuellement, elles ont contribué chez lui à des réussites éclatantes, notamment dans ses compositions fauves. Enfin, une dernière influence : celle des « arts premiers », océanien et africain. Ces arts exotiques, très décriés au XIXe siècle pour leur «laideur» et remis à l'honneur par Gauguin, sont collectionnés par les artistes qui les découvrent lors des expositions universelles. De nombreuses œuvres présentent des personnages aux visages stylisés en forme de masque, comme c'est le cas par exemple pour La Gitane de Matisse. André Derain
Les Fauves s'avisent d'ordre, de mesure dans un domaine où ils redoutent les pires excès, les pires erreurs. Ils usèrent d'un moyen étonnamment brillant : charger la couleur d'organiser sa propre discipline. Le sujet n'est considéré que sous l'angle de sa seule fonction plastique et désormais, le degré d'intensité du ton, la mesure des surfaces peintes, la répartition des blancs, la distribution des cernes expressifs, le développement des arabesques inspirées favorisent la cohésion et l'équilibre souhaités. L'éternel problème de la profondeur et de l'illusion de l'espace est résolu par la puissance et le choix de la place des tons. La lumière n'est plus source d'éclairage, mais d'intensité et tout accident est rejeté au bénéfice de l'essentiel. La simplification est la garantie de la multiplicité des tons. Une toute nouvelle grammaire est imaginée, codifiée selon des logiques personnelles et sans doute l'intention suprême de l'artiste reste de retrouver la sensation première du choc éprouvé et les fauves entendaient laisser l'instinct s'organiser de façon à ne pas trahir la liberté qu'il avait prise vis-à-vis de l'objet de son émotion. Les fauves ne veulent plus compromettre leurs chances d'être compris. Ce mouvement ne durera cependant que le temps de voir surgir quelques œuvres magnifiques de lyrisme et de couleurs. La dispersion rapide des fauves atteste que la tentative ne fut pas menée au bout de ses conséquences. Il existe une marge qui reste considérable entre ce que les fauves voulaient être et ce qu'ils sont devenus. Matisse commença à sentir les limites du mouvement et il n'osa pas les franchir, de peur de rompre avec une réalité traditionnelle de la nature dont il ne pouvait se passer. Finalement, le fauvisme s'affirme plus comme une technique qu'une esthétique.
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  • Style: 1940-1960
  • Caractéristiques: Signé, Sur toile
  • Artiste: Paul TONDREAU (1886-1977)
  • Genre: Fauvisme
  • Thème: Pays du monde, Voyage
  • Période: XXème et contemporain
  • Dimensions: 50 x 40 cm
  • Type: Huile sur toile

PicClick Insights - Paul TONDREAU (1886-1977) HsT 50x40cm 1971 Belgische school Ecole Belge Fauvisme PicClick Exclusif

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